Odelay’s Space

Pos eso, una de los animes de mayor éxto de crítica y público de los últimos años recibirá en el futuro una nueva temporada. Tenéis más detalles de la confirmación (no demasiados, por cierto) en Anime News Network. No se puede decir que sea un gran fan de esta serie, así que esta noticia no me hace ni especialmente feliz, ni triste, ni todo lo contrario, pero seguro que muchos fans de las aventuras de los hermanos Elric están hoy dando saltos de alegría, así que enhorabuena y felicidades a todos ellos.

(esto lo ví en NeoGAF)

Como lo oye, señora: se prepara peli "live-action" (con actores y esas cosas) de Cowboy Bebop, una de las mejores series de animación hechas jamás. El productor, Erwin Stoff, habla de admiración por la serie y promete la máxima fidelidad posible al original. Al menos esta vez han escogido un anime que creo que es bastante llevable al formato de peli con actores y esas cosas. Del reparto no se sabe nada, pero ya que estamos, vamos a especular un poco. Mi dream team sería:

-Spike: Johnny Depp. Aunque siendo Erwin Stoff, agente de Keanu Reeves, quien trabaja en esto, ya sabemos quién será nuestro Spike. Tampoco me disgustaría demasiado, por cierto.

-Jet: Ron Perlman. Si no, tal vez Bruce Willis. Y si lo quieren hacer afroamericano, pues Laurence Fishburne. O incluso Michael Clarke Duncan. O se hipervitamina a Samuel L. Jackson.

-Faye: Cameron Diaz, indudablemente. Si no, Scarlett Johannson.

-Ed: buffff… Creo que mi primera elección sería Dakota Fanning. Ellen Page no hubiera estado mal hace unos cinco años, pero ahora la veo un poco mayor para hacer de Ed, aunque se aumenta un poco la edad de Ed y listo.

¿Cuál sería vuestro reparto ideal?

(esto lo ví en ohnotheydidn’t)

PD: Eso sí, tampoco veo esta adaptación realmente necesaria: ya hizo la Fox una hace unos años. Se llamaba Firefly (y la peli, Serenity)

Ok, es hora de retomar esto. La razón de que no haya escrito en casi un mes en este blog es una combinación de estudios, series (Dennou Coil, Darker Than Black, Lucky Star, Verónica Mars, Battlestar Galactica), música variada y un juego de ¿rol? (PUTO AUTOLEVELLING) de los más viciantes que se hayan hecho jamás: The Elder Scrolls 4: Oblivion. Pero una vez iniciadas las clases, y terminadas muchas de las series anteriormente mencionadas, he encontrado en la rutina de la universidad la fuerza que necesitaba para liberarme del maligno y absorbente influjo del juego de ¿rol? que antes he mencionado, y retomo mi actividad bloguera dando otra peregrina opinión sobre una serie de anime que ha acabado recientemente y que ha sido de las más populares (por no decir la que más) de esta temporada: Lucky Star.

Lucky Star (hecha por Kyoto Animation, famosos por La Melancolía de Haruhi Suzumiya, Air, Clannad, Kanon y la segunda temporada de Full Metal Panic) es una serie de 26 episodios, de estética ciertamente loli, y que sigue la vida de cuatro chicas de instituto, sus problemas cotidianos, sus aficiones, etc, etc… Las cuatro protagonistas principales (aunque al final el elenco se extiende también a la prima de una de las protagonistas y sus amigas) son:

• Konata Izumi: Chica atlética, inteligente, un poco canija, obsesa del anime, del manga, de los juegos de rol online y de juegos para adultos, coleccionista y consumista ávida de todo tipo de merchandising relacionado con ellos (ejemplo: compra siempre de cada tarjeta telefónica tres ejemplares: uno para coleccionar, otro para guardarlo por si se pierde el otro y otro sólo por si acaso), trabaja en un bar de cosplay para costearse sus caras aficiones, y podría sacar unas notas impresionantes si no fuera porque los estudios le dan bastante igual.
• Kagami Hiiragi: Chica de pelo largo, violeta, muy estudiosa, muy trabajadora, muy responsable. También disfruta de los videojuegos, en su caso de los shumps, y de las novelas ligeras, aunque nadie a su alrededor comparte su afición. Aunque siempre es la que corrige a los demás en su actitud, Konata siempre encuentra la palabra adecuada para sacarla de sus casillas.
• Tsukasa Hiiragi: La hermana gemela de Kagami, con pelo violeta, pero corto, es su contrapunto total: agradable, buena gente, y siempre en las nubes, siéndole difícil seguir una conversación larga, estudiar durante mucho tiempo (siempre termina pidiendo ayuda a Kagami), durmiendo muchas horas… Adorable, pero vive en su mundo.
• Miyuki Takari: Con pelo rosa, largo, y grandes gafas, es la sabihonda del grupo. Siempre educadísima, todo un baúl de conocimientos al que todos recurren cuando tienen una duda, lleva gafas debido a su afición a leer aunque sea a oscuras, duerme bastante, y odia ir al dentista (¿quién no?)

Al final de cada capítulo, se ofrece un segmento adicional llamado “Lucky Channel”, presentado por la bipolar idol japonesa Akira Kogami (una personalidad adorable en la pantalla, y una cínica, egoísta, resentida, y fumadora compulsiva fuera de ellas) y Shiraishi Minoru, en la cual se discute acerca de los personajes de la serie (mientras ambos presentadores no se peleen en directo). El ending durante los primeros capítulos era las cuatro chicas en un karaoke cantando todo tipo de cosas, pero a mitad de la serie cambiaron por unos delirantes y cutrísimos números a cargo de Shiraishi Minoru (esta vez el de carne y hueso)

Con la descripción que he dado en el segundo párrafo, una serie viene a la mente cual rayo en la noche tormentosa: Azumanga Daioh. Sabiendo que considero Azumanga Daioh la mejor serie de animación que he visto en mi vida, ¿le llega al menos a la suela de los zapatos a ese milagro de serie? Es más, ¿es justa la comparación? La respuesta a ambas preguntas es un no rotundo y claro: ni llega ni por asomo a la gloria de Azumanga, ni la comparación es del todo justa. Donde Azumanga exhibía un humor directo pero tierno, absurdo pero basado en cosas muy simples, Lucky Star sigue el camino de Las Chicas Gilmore, es decir, gran acumulación de referencias culturales por segundo (se hace imposible su visionado sin una amplia cultura de series de anime, o al menos unos buenos subtítulos que aclaren todas y cada una de las referencias que se hacen a muchas series). De todas las series que se referencian, la que se hace con más insistencia, a veces hasta el punto de parecer un anuncio encubierto de ella, es de La Melancolía de Haruhi Suzumiya, aunque gracias a ella podemos disfrutar de uno de los mejores momentos de la serie: cuando las chicas van a visitar a Konata al bar de cosplay, y la descubren vestida de Haruhi Suzumiya (Konata y Haruhi comparten dobladora: Aya Hirano): los momentos en las que la citada Aya cambia en décimas de segundo de la voz de Konata a la de Haruhi son impagables. Y sí, hay unos cuántos momentos más así de descacharrantes (el capítulo de la Comicket, con la explicación del plan por parte de Konata a lo Equipo A, las entradas a la tienda de anime de Konata, Kagami y su “admirador secreto” en el viaje a Okinawa…) sin embargo ese es uno de los mayores problemas de Lucky Star: son momentos de luz ante una gran, GRAN mayoría de tedio: es EXTREMADAMENTE irregular. Cierto es que algunas partes de Lucky Channel y algunos endings de Shiraishi son grandiosos, pero cinco minutos no me justifican lo que demasiadas veces han sido 20 minutos de aburrimiento total. Y si a eso se le junta su peculiar estética (que no se que esa de mis favoritas) y voces agudas como punzones, se entiende que demasiadas veces haya estado tentado de parar y borrar el episodio. Otro de los problemas de la serie puede haberse intuido de mis palabras anteriores: en lo que es la serie (olvidándonos del Lucky Channel), el 90% de los momentos realmente buenos son protagonizados exclusivamente por Konata, la verdadera estrella de la serie, siendo el resto de personajes (excepto Kagami) meras comparsas y, en el caso de Tsukasa y sobre todo Miyuki, puro fanservice de tetas grandes y actitud estúpida que tanto me sacan de quicio, aunque esta situación se alivia un poco cuando entran en acción las amigas de Yuu (la prima de Konata) especialmente Patricia Martin (un ejemplo perfecto de qué es un weaboo o wapanese) e Hiyori, la amiga dibujante de mangas que siempre imagina a Yuu y Minami en situaciones realmente embarazosas). Pero hay demasiados capítulos que son, Lucky Channel y ending aparte, absolutamente tediosos, y sólo uno verdaderamente redondo, (el último). Ni siquiera los momentos tiernos me parecen lo suficientemente buenos como para hacer que me olvide de los momentos aburridos, sólo me añaden algunos bostezos y más y, a veces, cierta vergüenza ajena (mención especial al, para mi gusto, cursi e inaguantable segmento en el que el fantasma de la madre de Konata, Kanata, visita a su familia).

Pero como ya he dicho, no todo es malo, ni mucho menos: los momentos realmente divertidos son de llorar de risa, Konata es todo un descubrimiento de personaje, hay que hacer un monumento al que se le ocurrió la idea del Lucky Channel y los delirantes endings de Shiraishi Minoru (mención especial al de la canción sobre el robot biónico que nos salva de las caries, con la dobladora de Akira sujetándole el pantalón porque, aparentemente, no tenían suficiente presupuesto para costearle un cinturón al chico), y el último capítulo, además de ser el mejor de todos, el más redondo y el único en el cual los momentos tiernos te ponen tu agrietado corazoncito un poco sensiblote, contiene, por fin, la coreografía completa del opening, la cual será la reina en convenciones de anime y demás, dándonos horas y horas de loles como soles en Youtube. No es Azumanga, ni creo que realmente lo pretenda (aunque pertenezca al mismo género), y en sus mejores momentos, la esencia de la serie la resume muy bien Konata en sus últimas palabras en la serie: “La verdad, nunca fuimos demasiado en serio”.

Mi nota: 6,5

Alguien me ha pasado esto, y tenía que ponerlo, sí o sí: además de para disfrutar de la fantástica animación que tenía la serie (podrá gustar más o menos, como era mi caso, pero la animación era brutal), para exigir a todos los fans de Haruhi del mundo que empiecen cuanto antes a practicar con sus amigos y lo cuelguen en Youtube (con cosplay incluido, y si es ultracutre, mejor: doble hilaridad). Vamos, Haruhianos, ¡no me decepcionéis! ¡El mundo os necesita ahora que conocéis la coreografía completa!

Haibane Renmei: serie de anime (animación japonesa) del año 2002, compuesta por 13 episodios, basada en el trabajo de Yoshitishi ABe.

Necesitaba un desahogo de tanta integral, matriz y demás perversiones, y sabía que si continuaba con la segunda temporada de Battlestar Galactica, no me iba a quedar tiempo de hacer nada, así que decidí buscarme una serie de anime cortita para desconectar de vez en cuando del estudio. Y como manda la tradición, decidí no ver ninguna de las siete u ocho que tengo pendientes en mi disco duro, sino ir a por Haibane Renmei, que además, hacía mucho tiempo que tenía ganas de ver.

¿De qué va esta serie? Una chica sueña que cae del cielo: no está asustada, sino que se la ve casi plácida. Un cuervo la intenta sujetar, pero desiste rápidamente. En un momento, la chica se despierta dentro de una especie de burbuja, de la cual sale, siendo recibida por unos seres con alas como las de los ángeles, pero mucho más pequeñas, y halos encima de su cabeza. No recuerda ni su nombre, ni su ciudad natal, ni nada. Cuando despierta, nota la espalda como rara: al cabo de un rato (en una escena preciosa) tras bastante dolor le salen alas a ella también. La que se ha encargado de cuidarla, Reki, la cuenta que ahora es un ser llamada Haibane, que vive en una ciudad llamada Glie, rodeada por una muralla, de la cual no sale nadie y sólo entran algunos comerciantes de vez en cuando. Debido a su sueño (estaba cayendo del cielo) la llaman Rakka… y hasta ahí puedo leer.

Haibane Renmei no es una serie para todo el mundo. Tópico usado hasta la saciedad, pero esta vez sí que se cumple: es una serie de ritmo lento, pausado, de actos muy cotidianos (sobre todo los primeros capítulos, donde Rakka se dedica a descubrir un poco la ciudad y los trabajos de las otras Haibane), que por cada pregunta respondida deja diez nuevas en el aire, que se toma su tiempo para responderlas, y que incluso al final, deja unas cuántas sin responder, abiertas a las teorías del lector. Dicho esto, diez minutos después de haber visto el último capítulo en un último maratón de siete episodios, puedo decir que Haibane Renmei es, seguramente, de las cinco mejores series de anime que he visto en mi vida: tierna sin ser nunca sensiblera, deliciosamente elegante (su desarrollo, cómo está “rodada”, la manera que tiene de dejar preguntas sin responder…), emocionante sin ser cursi… Y encima, estéticamente, es preciosa, con unos paisajes totalmente bucólicos (un poco en plan La Casa de la Pradera, que sería una cursilada de serie, pero el fondo era precioso), y una ciudad que parece europea, de calles pequeñas, empedradas, edificios antiguos… un antojo de sitio, no me extraña que la gente no sienta demasiada curiosidad por salir de Glie.

Los personajes son en general muy “monos”, alegres, siempre dispuestos a ayudar… se hacen querer muy pronto, y si bien a veces de tan puro alegres son un poco planos (unos más que otros), son realmente interesantes. Los de las dos protagonistas, Reki y Rakka, son más complejos, con más claroscuros, sobre todo Reki, para mí, el personaje de la serie con mayúsculas (y al final, el que tiene más historia detrás). Otro factor que ayuda a redondear Haibane Renmei es su exquisita banda sonora. La música es de Kou Otani, y las leyes de la matemática nos dicen que Kou Otani=música soberbia, pero es que encima pocas veces ha estado el compositor tan inspirado como en esta serie. Baste como ejemplo el soberbio tema de los créditos de introducción (puesto al final), de influencias ligeramente celtas, y tan elegante como la serie, porque si esta serie puede catalogarse como algo, como ya dije antes, es como elegante: en su manera de acercarse a la ternura y la emoción sin nunca sobrepasar la línea que los separa de lo blando y cursi, en la presentación de los personajes, en la forma de presentar los temas básicos de su argumento (crecer, asumir los fallos pasados, pedir perdón, seguir adelante), en su tempo pausado pero seguro, en su forma de dar respuesta a las preguntas que deja el argumento, nunca acelerando el paso, siempre como flotando, como esas siestas de primavera a las cuatro de la tarde; incluso en su final, poéticamente cíclico (nota para el lector: si Odelay se pone muy pedante, es que algo le ha llegado muy dentro de esa cosa roja que tiene en medio del pecho); es cierto que deja dos preguntas básicas en el aire, como son qué son los Haibane exactamente y qué hay más allá de las murallas de Glie, pero incluso su manera de no decirlo, pero insinuar algunas cosas, es, de nuevo, y perdón por la repetición, deliciosamente elegante.

Haibane Renmei es un milagro de serie, una de las pocas de las que se puede decir que en todos y cada uno de sus apartados me ha parecido que estaba a un nivel espléndido: hasta su duración, 13 episodios, es la adecuada. Es de las series más tiernas que he visto en años, y de las más ensoñadoras, sus personajes, se haya profundizado más en ellos o no, son deliciosos, su apartado gráfico es bellísimo, su música es de lo mejor que ha hecho Kou Otani… Puede que no os convezca su ritmo pausado, o que sus personajes no os enganchen lo suficiente (algo vital en una serie de este ritmo y de actos tan cotidianos), pero hay que verla y dejarse llevar por su aire entre mágico y ensoñador: si os engancha, no os soltará hasta mucho, muchísimo después de haber terminado su último capítulo, e incluso después, seguro que el escuchar las primeras notas del tema de los títulos de crédito llevan una sonrisa tonta a vuestra cara, pensando en lo preciosa y mágica que era la serie a la que acompañaba, y cuyo nombre era Haibane Renmei.

Mi nota: 9,5.

Como prometí, este el el tema de los créditos iniciales de Haibane Renmei. Se llama Free Bird, y está compuesto por, como ya dije, Kou Otani.

(aviso: Spoilers sin compasión. Avisados quedáis)

Fullmetal Alchemist es un manga (comic japonés) que fue adaptado a serie de anime (animación japonesa) por el estudio BONES y compuesta de 51 capítulos, aunque esto no es exacto, ya que, a pesar de compartir algunas cosas, en otras son completamente diferentes. Su argumento (el del anime, que es lo que he visto), más o menos, es el siguiente: Edward y Alphonse Elric viven felices en su casa, y son muy buenos aprendices del arte de la alquimia, la cual permite trasmutar cosas en otras distintas, permitiendo reparar pbjetos, crearlos a partir de los materiales que se encuentren alrederor, y muchas más cosas. Lamentablemente, su madre muere, y los chicos se proponen el más difícil todavía en este arte: resucitarla. Pero la cosa sale horriblemente mal: Edward pierde un brazo y una pierna, y Alphonse pierde todo su cuerpo, aunque su hermano es capaz de fijar su alma a una armadura de metal en el último momento. A partir de entonces, entran a formar parte del Ejercito como Alquimistas Nacionales, a las órdenes de Roy Mustang, a la vez que se embarcan en un viaje para hallar la Piedra Filosofal, un artefacto que les permitiría recuperar sus cuerpos.

Tras terminar con la segunda temporada de Veronica Mars (qué serie, señores, ¡qué serie!), decidí finiquitar las aventuras de Edward y Alphonse Elric de una vez por todas. Y si bien sigue sin parecerme la bomba, he de decir que me he reconciliado bastante con Fullmetal Alchemist, sobre todo gracias a su parte final, porque lo que es el principio… la verdad es que, aparte del momento bizarro cuando intentan resucitar a la mama, el episodio donde Tucker transforma en semiperro a su hija, y el gran capítulo donde Hughes muere, poco más recuerdo, aparte de la insistente sensación de que ojalá venga alguien y les estampe a ambos una piedra gigante en la cabeza. Porque aquí viene uno de mis principales puntos de conflicto con esta serie: no aguanto a los hermanos Elric. Me parece unos niñatos, mal escritos, peor desarrollados, simples, cursis, tontainas… siempre deseé que atravesaran la famosa Puerta para no volver jamás. Mi máxima motivación para aguantar durante aquellos capítulos fue sin duda el grupo de los Militares. Todos, desde el Gran General, pasando por Mustang, Hughes, Riza, Sheshka, Havoc… y terminando en el absoluto rey de todos ellos, el gran Amstrong (en todos los sentidos) son como lo que deberían haber sido los hermanos Elric, como su reverso glorioso: divertidos, ocurrentes, con diálogos brillantes, personalidades definidas, serios sin ser estúpidos… Terminaba viendo los capítulos por si tenía una oportunidad de verlos en acción y divertirme un rato. Los Homúnculos son una mezcla de personajes que me han interesado (Sloth y Greed sobre todo) y me han cargado (sí, Wrath, te miro a tí, pequeña rata con pelo largo y voz chillona que no paraba de gritar), el personaje malvado del final me resulta un poco plano, Winry me ha gustado (un poco de contrapunto realista y gracioso, aunque con un punto triste, a la estupidez de los dos hermanos) y la maestra de alquimia de los hermanos me ha gustado, aunque siempre deseé ver una escena que hubiera sido maravillosa: los hermanos se despiden de ella otra vez más, y mientras se alejan, oyen un sonido como de vómito, y de repente ven volar por encima de sus cabezas un corazón palpitante… Lo sé, soy un tipo despreciable. En fin, en general me han interesado en esta serie mucho más los secundarios que los protagonistas.

El argumento gira constantemente sobre la místicamente llamada "ley del intercambio equivalente": si quieres algo, entrega algo del mismo valor. Al principio es la verdad universal, pero que según avanza la serie, se ve que tampoco es que sea tan cierta como parece, aunque más o menos casi siempre se termina cumpliendo. Creo que se le podría haber sacado un jugo mejor a este tema, pero aún así no me parece que esté tan mal sacado al final; y además, para una serie que respeta el primer principio de la Termodinámica, tampoco hay que ser muy duros. Como al principio tiene bastante de serie tipo Dragon Ball (vamos por el mundo teniendo aventuritas, rescatando personajes y esas cosas), me aburrí bastante en general, aunque hay que reconocer que al final casi todos estos momentos terminan siendo relevantes en el argumento, lo cual me dice que la trama me podrá gustar más o menos, pero está bien hilada. A partir de que llegan por segunda vez a Lior, la cosa mejora, y mucho, sobre todo debido a que el día que empezaron a escribir esos episodios tuvo que haber una bajada brutal del precio de la farlopa en Japón, y los guionistas se pusieron hasta las trancas, porque si no no es comprensible de dónde se sacan ciertos giros de los capítulos finales, los cuales son como una montaña rusa de situaciones ultradramáticas, increibles, estrambóticas y algunas verdaderamente delirantes (¡¡Londres, 1916!! ¿¿WTF??). Parecido a lo que sucedía en Evangelion (me refiero a la acumulación de cosas ultradramáticas que suceden en los capítulos finales), pero no tan extremo, ya que aquí el argumento se mueve bastante más durante el resto de la serie. Y de nuevo, me sucede lo mismo que en Evangelion: todo sucede demasiado deprisa. ¿Qué les costaría haber quitado algunos de los capítulos de relleno de la primera parte (sí, a pesar de que pocos hay que no introduzcan algo que al final no sea relevante) y contar tanto giro argumental con algo más de espacio? Sé que esto es cuestión de gustos (hay mucha gente a la que esta aglomeración de giros les encanta), pero a mí me gustan que las cosas sucedan un poco menos atropelladamente. Raro que es uno.

Por hacer algún tipo de resúmen, Fullmetal Alchemist me ha parecido un shonen subido de vueltas, con un poco de gore, una buna animación, una buena banda sonora (¡Asian Kung-Fu Generation!), algunos personajes menos planos de lo normal, y algo de imaginería sacada de Evangelion (la puerta con miles de ojos me llevó inmediatamente a The End of Evangelion), sazonada con ingentes cantidades de farlopa, dos protas a los que quería matar en cada capítulo y algunos secundarios impagables (Amstrong… Hughes… Riza…). No me ha apasionado, y en mi modesta lista no alcanza un puesto muy alto, pero al menos me he reconciliado un poco con ella, lo cual ya es bastante dado lo poco que me gustó al principio. Pero vamos, yo soy aquel a quien no le apasionó La Melancolía de Haruhi Suzumiya, así que tampoco me hagan demasiado caso, y denle una oportunidad si es que todavía no la han visto.

Mi nota: 6,5

(Por si quedaba alguna duda de por qué no escribo más críticas de discos, aquí tienen la prueba de lo mal que las hago. Tómenselo como una preparación de lo que les espera para el megapost de resumen musical personal de este 2006 que pondré la última semana de diciembre)

La banda sonora de Ghost In The Shell: Stand Alone Complex – Solid State Society (peasso de título), la nueva película ambientada en el universo de la adaptación a televisión del conocido manga de Masamune Shirow, está hecha por uno de los más brillantes descubrimientos (sí, este año ha sido la primera vez que escuchaba su música) que he hecho este año: Yoko Kanno, así que es uno de los trabajos que con mayor impaciencia he esperado este 2006. Además, sigo pensando que su grupo de trabajos más completo y apasionante es el que ha hecho para esta serie (sí, me llena más que los de Cowboy Bebop, o que los de Earth Girl: Arjuna, o los de Wolf’s Rain), así que la impaciencia por escuchar este disco ha sido doble: algo nuevo de Yoko Kanno, y encima de GITS:SAC (acrónimo que usaré para referirme a Ghost In The Shell: Stand Alone Complex), es decir: techno furioso, arreglos de cuerda épicos, las voces de Ilaria Graziano, Gabriela Robin/Yoko Kanno (en esta página explican mejor que yo por qué creo que Gabriela Robin es un seudónimo que Yoko Kanno usa para cantar), Origa, Steve Conte, Tim Jensen…, es decir: mi definición del cielo musical. Así que cuando por fin ha llegado a mis manos, me he dedicado a escucharlo de manera compulsiva, para luego dejarlo reposar un poco y así poder ordenar todas las ideas que me asaltaba con cada tema. Y a diferencia de críticas anteriores, aunque intentara estructurar todo lo que me ha hecho sentir este disco en un texto coherente y único, al final se parecería demasiado a una crítica canción por canción, así que esta será así: una "track-by-track review", que diría un inglés. Amos allá:

1) Player

Player es una bomba, un misil tierra-aire. Si se parece a algo, es a Inner Universe, con la que comparte el mismo espíritu caótico, incluso frenético de lucha entre beats esquizoides y arreglos de cuerda épicos, con mucho sinte bien puesto, y la voz de Origa, encima de toda la amalgama de sonidos en lucha musical que se acumulan en los oidos, dando el justo punto de épica a la canción. Por seguir las comparaciones con el opening de la primera temporada de la serie, también hay idiomas diferentes, y saltos estilísticos al vacío: tras la segunda vez que suena el estribillo, comienzan las piruetas: primero, un pequeño devaneo con guitarras eléctricas, una pequeña pausa (con gorgoritos marca Origa), y Kanno pone a funcionar un ritmo que me suena al hardcore, sobre el que termina colocando la tercera pirueta: un notable rapeado de The Heartdales, y vuelta a la canción “normal”, tal vez un poco forzada, pero se le perdona por todo lo anteriormente escuchado, para terminar con el bendito estribillo. Y como Inner Universe, parecen varias canciones distintas pegadas con pegamento, pero la alquimia de Yoko Kanno, y un estribillo antológico, que recuerda a la majestuosidad del ya mencionado tema del opening de la primera temporada de la serie, hace que funcione con precisión suiza. Apabullante comienzo.

2) Replica

Mi adorada y nunca suficientemente venerada Ilaria Graziano se estrena en el disco con una impresionante canción que me suena a trance sofisticado, de envolventes arreglos de cuerda, con mucho eco para la voz de Ilaria, un beat sencillo-pero-efectivo y una sencilla, pero maravillosa melodía principal para redondear una canción preciosa y ensoñadora. Mantiene el excelente nivel inicial.

3) Zero Signal

Comienza con sonido de estática y la voz de Gabiela Robin, para continuar como una poderosa pieza de techno-rock lento-pero-amenazante, con un poderoso beat apoyado por unas rotundas guitarras eléctricas. Sencilla, pero me encanta.
 

4) Solid State Society

Comienzo, con el piano jazzístico y el beat de fondo, muy en plan Cowboy Bebop. Luego, entran los violines, y el resultado es una interesante mezcla de dos de los mundos musicales más importantes de la Kanno. Un solo de guitarra maravilloso redondea esta buenísima mezcla entre la electrónica con violines de GITS y los aires de jazz de CB. De las mejores de las instrumentales.
 

5) Tempest

Pieza de violines ligeramente triste, con un poco de suspense, cierta sensación de peligro, y un motivo melódico principal que me suena mucho, pero no sé de qué. Buena, pero me baja un poco el nivel.
 

6) Born Stubborn

Una guitarra acústica acompañada con unas discretísimas maracas de fondo, un bajo de vez en cuando y muy poco más, si hubiera una harmónica de por medio juraría que es una de Cowboy Bebop. Sencilla, mona (bonito estribillo) y poco más.

7) She Is

Techno ambiental de soniditos raros, cantado por Gabriela Robin/Yoko Kanno, y cuyo comienzo me recuerda, no sé por qué, al de “An Echo, A Stain” de Björk, De nuevo, es mona, pero no es nada del otro mundo, me suena a relleno.
 

8) From The Roof Top ~ Somewhere In The Silence (Sniper’s Theme)

Dos canciones distintas pegadas por razones del film, supongo, aunque en lo musical (ni en su calidad) no tengan nada que ver. La primera es un ensayo jazzístico, con batería juguetona con mucho platillo, y un teclado mono: nada grande, pero mono. Y a los dos minutos, comienza la segunda canción, y comienza la magia. Ilaria Graziano le da el punto etéreo perfecto a una melodía preciosa, arreglada con unos cuantos beats discretos, unos sintes de apoyo, una guitarrita funky de vez en cuando, y poco más. Por no haber, no hay ni mucho eco en la voz de Ilara. El resultado final es una canción de pop con beats maravillosa, más íntima que las anteriores, más “pequeña” en sonido, pero más grande en preciosidad: tan grande que anula todo recuerdo que tengamos de los dos primeros minutos (recomiendo ENCARECIDAMENTE extraer el archivo al disco duro, y con un editor, separar las dos canciones, para poder disfrutar del segundo tema en toda su gloria).
 

9) Undivided

Violines amenazantes y una guitarra que aparece de vez en cuando sobre un beat espartano, que acentua el aire general bastante marcial y opresivo, que se abre un poco más al final. Tras un temazo, esto me suena a un poco de relleno.
 

10) Blues In The Net

Oh, un poco de estática de fondo para comenzar. Canción ambiental, sin duda, con suspense a todo trapo, muchos ruidillos de fondo, y con beats discretos que hacen que la segunda parte suene como si nos infiltráramos por los conductos de aire acondicionado de un complejo militar, o algo así. Me termina aburriendo, si quiere ser ambiental no me provoca ningún tipo de sensación (ni amenaza, ni tristeza, ni siquiera risa), y si quiere ser un novedoso experimento sonoro, pues tampoco funciona. Me da la impresión de ser una idea interesante, pero mal (o no suficientemente) desarrollada.
 

11) Human Step – Aramaki’s Theme

Dos partes diferenciadas, casi dos canciones, aunque al contrario que hace tres temas, aquí pegan uno con otro. La primera empieza triste, pero los las trompetas se van abriendo paso poco a poco hasta que queda un aire muy solemne y de moderada alegría. La segunda parte, con gaitas, guitarras, el mismo tambor marcial que apoyaba en la primera parte a los violines esperanzadores y decididos, es impresionante, sublime. Y el resultado final me resulta algo bipolar, pero sin duda muy bueno, me encanta.
 

12) Date Of Rebirth

La canción de los títulos de crédito (según la Wikipedia) es una balada techno-rockera cantada por Origa con otro estribillo notable. No da la sensación de ser nada del otro mundo, pero sin ser especial para el nivel Yoko Kanno normal, me parece realmente buena, y está cantada de órdago.
 

13) Take A Little Hand

Bonita y plácida balada acústica de influencias celtas para que Gabriela Robin/Yoko Kanno demuestre que las canciones de este tipo se le dan de maravilla (aunque a veces es alarmante lo que la cuesta mantener el tono de una nota). Muy relajante.
 

14) Remedium

Y una orquestal tranquila pero triunfal, como cuando llegas a casa después de un duro día, para terminar. Bonita, pero no me termina de enganchar, no me parece nada especial.
 

Resúmen:

Empecemos por las preguntas peliagudas. ¿Me parece este el mejor disco de los que ha hecho Yoko Kanno para GITS:SAC? La respuesta es no. De hecho, queda sólo por delante del GITS:SAC-Be Human (donde, aparte de las excelentes Be Human, Trip City y Spotter poco más había donde rascar). ¿Es un buen disco? Sin duda alguna. Incluso un gran disco, con al menos tres canciones tremendas (Player, Replica y Somewhere In The Silence (Sniper’s Theme)), y unas cuantas muy buenas (Zero Signal, Solid State Society, Human Step – Aramaki´s Theme o Take A Little Hand). Lo que la deja por debajo del resto de discos de GITS:SAC es la cantidad de canciones monas-pero-poco-más, que seguro que en la película encajan perfectamente, pero oídas en el disco me suenan a relleno, que en el resto de discos de GITS:SAC era muchísimo menor. De todas maneras, hablamos de Yoko Kanno. Un tema mediocre de ella vale por 100 demas mediocres del 99% del resto de músicos del mundo, así que si nos dejamos de comparaciones y ponemos a funcionar nuestras orejas, nos encontraremos con un muy buen disco que está enclavado en el mismo estilo de sus predecesores de saga, con tal vez un poco más de épica, y un pelín más de influencias celtas de lo visto antes en la saga, donde echo de menos las voces de Steve Conte y Tim Jensen, y cuyo único pecado es estar en la misma saga a la que pertenecen tres discos que merecen pasar al olimpo de las bandas sonoras. Ojalá todos los discos tuvieran estos defectos.

Mi nota: 8

Mis preferidas:

-Player
-Replica
-Somewhere In The Silence (Sniper’s Theme)

Hace dos años dos tíos llamados Zarxrax y SSGWNBTD decidieron crear un video a base de pequeños AMV de no más de 30 segundos cada uno. El resultado se llamó AMV Hell, y fue toda una revelación: cinco minutos totales llenos de carcajadas. El mismo día fue publicado su reverso más perverso: AMV Hell 2 - Son Of AMV Hell. Contenía demasiado hentai para mi gusto, pero tenía momentos impagables (la coña con el plano fijo del capítulo 24 de Evangelion era impagable).

La verdadera explosión llegó en el 2005, con AMV Hell 3: The Motion Picture, el AMV que más me ha gustado (con mucha, pero que mucha, pero que muchísima diferencia), una hora de carcajadas sin pausa, y algunas de las asociaciones música-escena más preclaras que he visto en un AMV (el Rollin’ de Limp Bizkit para Katamari Damacy, por ejemplo). Luego sacaron el reverso muy (pero que MUY) tenebroso con AMV Hell 0, donde se tiraban al hentai más pervertido y a las bromas de peor gusto seguramente vistas en un AMV, quedando un video que no es que me gustara (lo de recordarme la imágen de Goatse en uno de los videos al final ya fue el remate definitivo que me hizo sentirme realmente sucio por haber visto aquellos 40 minutos que duraba el AMV Hell 0), pero que tiene fans acérrimos.

Pues bien, en los foros de la página donde están recopilados los cuatro videos de AMV Hell, iniciaron un concurso de 20 rondas. En cada ronda, se seleccionó una canción, sobre la cual los foreros competían por ver quién era el que hacía el AMV más cachondo que durara menos de 30 segundos. Cuando terminaron, los juntaron todos, añadieron algunos favoritos más, y el resultado es una nueva entrega de de esta exitosa saga de AMV: AMV Hell: Championship Edition, la cual fue publicado en junio de este año, y que es igual de genial que los anteriores. Aquí tenéis todos (menos el AMV Hell 0, que todavía no ha sido colgado) en glorioso formato Google Video, y si os gustan, tenéis enlaces en la página de AMV Hell para descargarlos todos vía Bittorrent o en descarga directa (previo regstro en Animemusicvideos)

AMV Hell 1

AMV Hell 2 - Son Of AMV Hell

AMV Hell 3 - The Motion Picture

AMV Hell: Champinship Edition

Después del final de la emisión de la serie de anime Azumanga Daioh!, empezaron a circular por la red rumores de que se iba a hacer una película con actores, de la cual se presentaron hasta fotos del supuesto casting de actrices, las cuales guardaban un parecido sorprendente con los personajes de la serie. Luego resultó ser un elaborado montaje, nunca existió la posibilidad de tal película, pero unos cuántos seguimos soñando con la posibilidad de que tal milagro suceda algún día. Hasta entonces, aquí está el famoso album de Yahoo! con todas las fotos. Las que más se parecen para mí: Tomo (la más parecida de largo), Yomi y Kagura.

Pos eso, que me acabo de enterar de que Full Metal Alchemist y Ghost in the Shell: Stand Alone Complex 2nd GiG se emitirán en Cuatro, dentro de la franja de madrugada de Cuatroesfera. FMA me la pela bastante, pero ver a Motoko y compañía bien compensa el sueño que pase al día siguiente.

(esto lo ví en AniManga)